新世界音乐的由来
在八十年代初，一位名叫米恰琼斯的加拿大钢琴家写了一本曲集。那里收进的乐曲，都有很美丽的、画面似的标题，例如《彩虹之后》、《梦境之外》、《阳光谷》、《太空蝴蝶》等。他在前言里面写了一个自己的小传，说他曾想成为一个音乐画家，后来，慢慢地，他找到了自己的音乐语言。这时侯，他不再追求用音乐去描绘什么形象，而是表现感觉，那种静夜里雪花落下轻触地面的感觉；吹过莎草的清风的干燥呼吸的感觉；远天闪电的折纹的感觉；傍晚的湖水拍打着岸边的感觉……
米恰琼斯的乐曲都很安静，大多数都用一种音型不断地反复着；和声简单，很少有复杂的不和协音响，似乎变格进行和调式风格更多见；旋律纯朴，通俗易懂；音调的个性不强，有时甚至没有旋律。听着，听着，你会忘了这是米恰琼斯的音乐，而是树叶的悄悄细语。
这位钢琴家在一九八三年的时候遇到一家音乐出版公司的经理，这位出版商一直想推出一种新鲜口味的、适合人们在休闲时候听听的音乐。两人一拍即合，不久米恰的作品便渐渐在美国流传起来了。最初，这种音乐还不那么起眼，各家唱片店的老板又不知道该把它放在哪一栏里，它像轻音乐，没有什么深奥的道理，可又有几分古典音乐的风骨和气派；它是通俗的，可又显示着超脱的情调；它是易于流行的，但是却没有一般的流行音乐那么平庸或骚动。有些唱片店就只好把它列在所谓最新到货专柜下，渐渐的，就成了气候，港台的一些刊物亦随之改译作“新纪元”或“新世纪”音乐。
这种介于轻音乐和古典音乐之间的新样式。它们大致上可分三大类。第一类是用自然乐器演奏的，包括一般听众熟悉的常规乐器，如钢琴、小提琴、吉他等等（比如法国音乐大师James Last的作品），其中被用得最多的，一方面是接近东方乐器音色的乐器，如双簧管、英国管等，另一方面，民间性质的乐器，如曼陀铃、手风琴、排箫等也常可听到（比如排箫大师Zamfir的作品）；有些演奏者特别喜欢东方的打击乐器，如小铃、大锣和钟等，现在还有些新纪元音乐家热衷于把那些非洲的战鼓等原始的乐器掺入他们的音乐中（比如Kitaro喜多朗的音乐），第二类则是电声乐器，它所制造的音响也偏重神秘的、飘渺的色彩，许多新纪元音乐家都是电脑音乐高手（比如Enya, Yanni的音乐）。第三类是前二者的混合。有些唱片商在制作这三类演奏形式时，往往还会加上自然界的音响，如鸟鸣林啸、风声鹤唳（比如Dan Gibson的Solitudes系列）等等。
在新纪元音乐唱片的专柜上，还可以找到许多干脆就是把维瓦尔第、考累利等古典音乐家的作品配上瀑布声音作为“新纪元”音乐发售。这多少说明了这种新纪元音乐的倡导者们的意图：听着这种音乐，让人仿佛置身于大自然之中，换句话说，就是忘记西方现代文明社会的喧嚣和忙碌。因此，除了大自然之外，久远而神秘的古代，纯朴而素雅的民谣，也是新纪元艺术家们所热衷的题材。恩雅之所以能够走红，正是因为她的歌适应了厌倦摩托时代的听众的需要。你怎会想到，一张发黄的小照作为封套的唱片，对于怀旧的人们竟有如此的魅力。
还有一说是一九八一年，有一位名为坡文特的萨克斯的演奏家，更是身体力行：拒乘轿车，坚持吃素，最后躲进森林里去，用他的萨克斯与狼对啸。他被认为是“新纪元”音乐的教父，然而我们完全可以往前追溯得更多些年代找到更多的祖宗。把今日“新纪元”音乐家们的作品，和早期的浪漫派音乐相比，难道不会使我们发现什么有趣的相似之处吗？我们在柏辽兹的《恰尔洛德在意大利》中所感受到的，不也是一种自我放逐的孤独的快乐吗? 能否把李斯特的《降D大调音乐会练习曲》放在“新纪元”专柜上卖呢？ 它也不正表现了人们面向大自然时的冷淡和安详吗? 瓦格纳对16世纪骑士时代的缅怀，与恩雅的那些朦胧而神秘的歌声，又有什么不同呢?
的确，从反叛的角度而言，新纪元和浪漫主义有很多相似之处。音乐史上每一种新的风格，都是在时髦与反时髦的斗争中形成的。就像稳健的古典主义是对轻巧的洛可可风格的反叛；感情至上的浪漫主义又是对崇尚形式的古典主义的反叛一样，新纪元音乐是轻音乐领域里的后现代主义思潮对传统审美观念的反叛。所不同的是，古典的也罢，浪漫的也罢，它们的反叛都是在传统的审美范畴中进行的。尽管在风格上、思想观念上有很多变迁，但二者的背后却有着共同的哲学观念，那就是对生命、对快乐的理解：生命属于我们只有一次，应当活得崇高而有意义。平衡、和谐、安定是这世界上最完美的境界。然而二十世纪的哲学新潮–过程主义的拥护者们却认为，过程和终极是对立的两个哲学范畴。生活应当是生命的自由的过程，它是最实际的存在；活着，就应当努力去体会这过程。生命如果被外力—例如种种功名利禄的终极目标—所牵制，就被降低为机械而不自由的过程，这也就否定了生命的价值。因此，为着消除这种异化的最好的途径，就是自我松绑，返璞归真，改变传统的以未来某个目标为生活中心的人生观，把自己从功利目的中解放出来。
伴随着这种哲学，西方出现了反理性的艺术，它的主要观点是，在作品中强调或为着建立一个终极目标–例如高潮或是中心–以及为此所作的种种努力，那是对艺术的本质的束缚。生命既是一种维护和扩展自己的过程，那么和谐、安定、平衡便是不可能永久存在的。追求完美是不切实际的。
又有一说，可以查到一个叫Tony Scott的爵士音乐家，在64年发表了一张名为Zen Meditation的专辑，被认为是第一张Newage Music的标志（可以参见新版格罗夫音乐词典解释）。这是一张具有Fusion Jazz风格的唱片。很容易理解，最开始的一批实验家们，正是一些电子原声音乐家以及爵士乐先锋派。尽管说，在80年代北美，这类兴起的音乐曾经一度风行于各类冥想团体和按摩美容院，但其主要形态并非是纯粹Meditation的，而首先是异域性，Exotic。这种外来音乐在概念上打破了西方传统，而在外表形态上给予人们新鲜感，满足猎奇心态，从感官上切合当时环境。实际上，Newage Music的发展，极大地受益于商业需求，而正是这一行为，限制了人们的思维，也抹杀了艺术家的艺术价值。也许正因为如此，即使是70年代那批Newage Music的先驱也不愿意被划在这一圈子内。他们认为，首要的，是作为一种革新的艺术行为，而非约束于某一种音乐形式。
对Newage Music最为传统的解释是一类meditation,healing music，这也符合大众所期望的，在听惯了流行之后剩下的浮躁也许可以通过某种变相的流行得以抚慰，而平常对古典敬而远之又渴望某种优雅和纯净的人或许可以在其中找到点共鸣。
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新纪元的特点
后现代主义艺术思潮在新纪元音乐中往往体现在如下几个创作待征：
<一>、从平凡中寻找诗意
米恰在他的曲集扉页引用了巴勃罗·卡萨尔斯的诗：
在音乐里，在大海里，
在花朵里，在树叶里，
在每个善行，我见到
人们称谓的上帝……
这充满宗教意味的诗点明了新纪元音乐家们的灵感的源泉：在他们看来，最微小的事物和最惊天动地的景象都是一样的。他们也讨厌人生伦理的教训，恩雅在一首名为《天使》的歌中唱道：
Here,all too soon the day！
Wish the moon to fall and alter our tomorrow.
i should know
heaven has her way
－each one given memories to own。
伟大的奇迹，不靠词令，
我会知道天堂的路程，
每人都有自己的记性。
因为价值观念是社会强加于生命、强加于艺术的，它歪曲了它们本身的意义。因此，必须降低欣赏者对作品价值的期望。难怪“新纪元”的作品从不讨论什么重大社会问题，也不想给听众什么重要的语义信息，乐曲的音调都是那么简朴、平易。
<二>、淡化创作个性和技巧
就像米恰不再刻意音乐形象的栩栩如生，而努力寻求自己的感觉的表现那样，信奉过程主义的艺术家们认为，无论何种风格的艺术，无论对它所表现的事物有否变形，其目的无非是在于表现自己的感受而已。因此，为此而运用的创作技巧之精粗都是无所谓的。而大自然既是新纪元音乐的主题，面对它的究竟是谁就无关紧要了。坡·文特曾经说过：世人生在同一环境里，你邻居的婴儿的哭声和美国加利福尼亚的婴儿哭声又有什么区别！因此，在“新纪元”的音乐里，你听不到刻意精雕，表现自己创造个性的写作技巧，诸如复杂的声部关系、精致的和弦、主题的有趣的变形等。（所以，专业的作曲家很少有参加新纪元的兴趣。）新纪元的音乐，都是浑然天成，即兴式的。这种即兴，又不是炫技华彩表演，而是偶感的自由流露。可以说，这是一种反个性的艺术，这也是它和浪漫主义在美学特征上的区别。
<三>、发掘媒介作用
创作的技巧之淡化，使艺术家的注意力集中到表现媒介上。后现代主义的音乐家们热衷于在力度、音色等方面加强刺激。他们在电声乐器上发掘种种新音色或采用对西方听众说来并不熟悉的东方的乐器，歌手则喜欢用气声哼吟，使听众对这些音色感到陌生和神秘。有一卷在印度秦姬陵里录音的长笛，深沉的共鸣和交混的回响形成一种十分奇特的音响，确实得琢磨一番，才能分辨清楚是什么乐器。在一位名为林克的艺术家录作的唱片里用了中国的大锣，让它们的每个音余音袅绕回荡十几秒之久，而不同的音波又互相干涉，织成新的音响，听起来就像庙宇里的紫烟，经久不散。显然，在轻音乐领域里不可能像专业作曲家或爵士、摇滚那样，以尖锐、巨大的音响振奋听众，新纪元的艺术家们正是以这种方式使听众处在朦胧中，籍以延长审美知觉的过程。
<四>、模糊时间进程上的层次
传统音乐中，有否清晰的结构层次，有否淋漓尽致的高潮似乎是人们评判音乐作品优劣的一个重要标尺。然而后现代主义既认为秩序–人们为着某种目的而必须遵循的法则–是对生命自由发展的一种束缚，那么，起承转合的结构都是人为的，因而也是虚伪的；为各段的素材确定某种对比关系，以及它们的戏剧式的展开都是没有必要的。因为：
在有真知灼见的人看来，
香花和尘土是一样的。
在他们的作品中主要的手法就是平铺直叙和反复。用一大段引子推出一个引人注目的开端、有鲜明对比的段落衔接……这些手法在“新纪元”音乐中都是不典型的。因为高潮是文明社会等级秩序和终极目标的集中反映，它是使生命为之扭曲的外力，异化了生命本身的运动韵律，应当从作品中砍去。因此，我们在新纪元的音乐里听不到令人神采飞扬、热血沸腾的大起大伏，而是一种使人心绪宁静下来的镇静剂。
乐曲的终止又是一种终极目标，应当削弱，于是我们就听到了在不断反复中逐渐隐去，或是在不协和和弦上收束的结尾方式等等。
后现代主义体现在“新纪元”音乐中的这些美学特征，对东方听众来说，并不是什么新鲜的东西，其实都是东方的传统审美观念：不渲染、不激动、不精确等等美学特征的翻版。人们在那不断反复的平静的音乐中调理自己的心情，使之忘却日常生活里所遇到的种种烦恼，从而达到超脱的作用。因此，我们又可说，新纪元音乐是用西方音乐文法写的东方音乐。
近年来，随着新纪元音乐的影响越来越大，加入这个队伍的艺术家也越来越多了，甚至摇滚乐也渗透了进来，这就给为新纪元音乐下定义带来了困难。但不管怎样，至少它给我们这样的启示：创新也罢、反叛也罢、未必都是呲牙裂嘴的，重要的是在于审美观念的变化，新纪元音乐不正是以最温和的形式把几百年来的传统美学观念的核心给彻底反过来了吗?(摘自网络)
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从各个角度看NEW AGE
首先从音乐学的观点看New Age Music
Steven Halpern曾经以音乐学的观点来分析New Age Music所具有的特色，包括以下所述五个重点：
合音（Harmony）：New Age Music的基础是合音与和谐音，并非仅用大和弦而不用小和弦，但会摒弃部份爵士与摇滚的发音方式，以避免不和谐与不悦耳的乐音。
旋律（Melody）：New Age Music突破既有作曲方法，不以传统上对音阶的思考模式为限，而是组成新的、不见得能立即朗朗上口的旋律。
节奏（Rhythm）：New Age Music根本不强调以打击乐器或休止符所建立的节奏感。一方面拜电子音乐技术所赐，可以轻易制作出无停顿的乐音；另一方面，New Age Music以不强调节奏的作曲方式，营造特殊的空间感与意境。
音色（Timbre）：New Age Music避免使用刺耳与急促的声音，因为那会增加音乐的压力与张力，也因此小提琴、小号、电子吉他、合成敲击乐器等较不适用于表现New Age Music。
音质（Texture）：空间感是New Age Music的一个重要的面向，New Age Music也曾有「空间音乐」（space music）之称，其同时指涉音乐所表现出的质材感、与意图引发聆听者去达到的状态。
New Age明确成为音乐类称
八○年代中期，New Age Music的发展已经逐渐成熟，Billboard杂志也顺应了这样的趋势，设立所谓「成人另类排行榜」（Adult alternative chart），榜上的专辑包括了现在所谓的New Age Music与世界音乐。这一类的音乐，吸引了许多不同背景的乐迷，他们希望听到与主流音乐有所不同的作品，但却又不希望与主流形同陌路。成人另类的音乐类型，无论是原音的、电子的，都受到流行乐、摇滚乐与爵士融合乐的因素影响。有些专辑会出现带有歌词的演唱部份，不过大部份都是器乐演奏的型态。成人另类的创作者通常在旋律上都会求新求变，具有鲜活的节奏，演奏乐器时个人色彩浓厚，但创造出来的音乐却又是如此平易近人、受人欢迎与喜爱。
1986年举办的第29届葛莱美奖的奖项中，也增设了「年度最佳新世纪唱片」（New Age Album of the year）的奖项，第一个获得这个奖项的，是演奏竖琴的奥地利籍音乐家：安德列斯．佛伦怀德（Andreas Vollenweider）。这应该算是New Age首度明确地成为音乐类称之一。(摘自网络)
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Newage Music各个分支类型
对于已经差不多公认的七种类型： Ethnic Fusion,Meditation,Contemporary Instrumental,Neo-Classical,Progressive Electronic,Solo Instrumental,Techno-Tribal的基本概念性简介可以参看allmusic网站。
Ethnic Fusion和Techno-Tribal这两个概念可能较为常见，也比较容易被混淆。其实差别并不是很大，其表面特征都具有我前面提到的Exotic，其实就是受到北美以外民族音乐的影响。许多学者认为是由于当时世界音乐的浪潮正席卷了整个西方世界，印度和非洲音乐尤其多地被西方音乐家们作为实验的对象。另一Tribal特征的音乐则并非来自异族，而是美国本土民族——印第安，印第安音乐最为成功的宣传扩大是R.Carlos Nakai，一位吹着Native Flute将印第安音乐推向高峰的音乐家，在他之后许多人开始关注起Native Flute Music这种带着强烈本土气息的部落音乐。但其实对于大多数北美白人来说，这仍然是一种异族音乐。
如果说Nakai还在传统范围内谨慎地前进，那么其他象Ancient Brotherhood，RASACusco，Medwyn Goodall则是更大胆地混合了现代西方音乐与异族音乐，创立了一种独特的风格，并离开传统Ethnic Music更远，但是都可以将他们归于Ethnic音乐中去。而相对来说Techno-Tribal则更倾向前卫电子原音风格，这其中的杰出代表则是Jon Hassell对于我们国内乐迷来讲，比较熟悉的则是Deep Forest。
改头换面的传统音乐，在轻快的电子乐风的带动下，的确满足了一代人渴望接触神秘的心态，这种含混不清的音乐元素填充了一颗颗空虚的心灵，象任何一个划时代的事物一样，在其颠峰过后便不可避免地遭到来自学术界，其他无关领域的各类批评。从传统学院派角度看，无疑这是一种离经叛道的行为，实验音乐学家从来在固守传统阵地的同行眼里是被轻视的，他们指责这种包装后的贴着world,newage标签的音乐在将传统扔进废墟中，且欺骗音乐爱好者，用一种假相换得“崇敬”，所谓古典文化艺术在一代又一代人的遗漏中被消耗殆尽。
抛开其激进的言论不说，我们同样在兴奋过后的反思中可以察觉某种应该警惕的兆头，Newage Music在启发现代艺术家灵感的同时，也在将人们引入一个歧途。人们可能感受到非洲鼓点的密集节奏同时，无法摆脱电子合成器制作出来的效果，一旦脱离了这一基础，我们可能看着媒体介绍一部作品里运用了非洲加纳，就以为是来自非洲的音乐而其实那不过是采用了加纳的三重奏音色，并无传统节奏和音型。而在一部充满美妙和声的Newage作品中可能仅仅是西方教堂音乐的运用，却被渲染成具有印加色彩的音乐，而其实真正的印加民间花腔女高音却是稀罕难见。但是我们都明白，这些对于仅仅需要单方面满足的大众来说都是无足轻重的。只是对于艺术领域来说，无论是传媒还是艺术家本身，都有义务澄清这种被误解的成份，Newage Music仅仅是在以西方的音乐方式来演绎其他文化的音乐形式，其重点恐怕仍旧在宣扬西方音乐系统。
这里我不得不提到Fusion这个概念，其实在音乐学里有两层含义，一是real fusion指的是在已经形成的新形式中可以找到同时影响西方和其他种族音乐的元素。另一个是superficial fusion，指的是仅仅在配器，节奏，某些韵律上找到相似处，而其实这类音乐仍旧属于它本身。这正如大多数泛滥的Newage Music一样，尽管说可以在各种排行榜上找到不同位置的相同音乐，其分类庞杂无比，但最终适合的名词，仍然是Newage，它们大多数运用了稀罕的乐器，或者其他民族的音乐元素（节奏，音型），或者利用了其他民族的艺术家作为vocal，但其实对于本土音乐和主体音乐都无关紧要。不过，如果我们从整体历史角度看，也仍旧可以看到一些real fusion的影子，这个下面会谈到。
如果说superficial fusion很多基于器乐专家的实验性尝试，那么在Newage Music中一个极大的分支则是Contemporary Instrumental。这个一般翻译成“当代器乐”。为何要说当代？并且有别于solo instrumental，其原因一部分可以从研究专辑的配器上获得。
非常著名的一个器乐专家，Mike Oldfield可能很多人都有印象。据说他能弹奏20多种乐器，并且其中一些是十分罕见的。这个说法准不准确就不去考究，但至少，在他最为出名的专辑《Tubular Bells》里，他就使用了除常规吉他，贝斯等西方乐器之外的管风琴，曼陀林，风笛，各种打击乐器，六孔木萧，钟琴等十来种乐器。这张专辑因此制造了一种神秘诡异的气氛，尤其那首同名曲更被后来的恐怖片《驱魔人》收为主题曲。尽管旋律上流畅而如管钟的声音穿行在钟乳洞中，但这张专辑或许仍然算得上newage里的另类了。稍后于他的一位多产音乐家Medwyn Goodall可能是国内更为熟悉的新世纪作曲家，他最为著名的专辑《Medicine Woman》女巫医中使用了24种器乐。这或许是最多器乐配置的新世纪专辑了。
从70年代到80年代，差不多10年的时间，当代器乐涉及的领域恐怕比Newage Music为大众熟知的领域更宽广，从Jazz到Classic，从Rock到Folk，各种艺术家都在尝试。相对来说比较纯净的solo instrumental则以更平易近人的姿态出现。许多为Newage迷所关注的音乐公司有Nightingale，Windham Hill，Hearts of Space，旗下的艺人也是经典作品不断。70年代初成立的Windham Hill可能是其中最为著名的。其创始人Mill Ackerman本身就是一位吉他手，他被认为是Newage Music第一张成行专辑的创造者，也就是名为In Search of the Turtle's Navel的怪异专辑，当然，音乐并不怪异，是具有民谣风格的新音乐类型。之后公司的另一位风靡全球的作曲家George Winston更是继承了WH公司的民谣风格，并且比同时代的Suzanne Ciani, Michael Jones, Pat Metheny在实验性上走得更远。听过他那张Forest专辑的人一定会对那冷冽的钢琴声印象深刻，在他的音乐中我们听不到扰人的电子合成的声音，钢琴的声音纯净剔透，结合了美国本土民谣以及现代钢琴弹奏手法，创造了一种独特的氛围。很显然，他之后的作品都具有此类风格。
虽然说Contemporary Instrumental其实在Newage Music确立之前就早已经成形，但一种更为早期就有的类型meditation则是真正在商业上大大推动了newage工业的发展。这其中的典型代表人物Steven Halpern，被认为是Newage Music的奠基人之一。他在早年就开始研究音乐的治疗作用，当时的西方曾经一度被此类音乐填充。而Halpern还率先将他的专辑在医院以及康复中心销售，这一举动无疑大大推动了Newage Music的商业进程。但是Meditation以及与之接近的具有轻柔乐风的音乐，包括一些电子合成的音乐在许多人眼里开始由于泛滥而贬值，“声音泻药”这个词被常用来形容那些雅皮音乐，也是有一定道理的。可以想象城市的各个角落到处充斥着这种被称为冥想的音乐，但实际上早已经远离其当初的涵义，人们不过是在接受又一项流行的主导地位。只是，并非所有冥想音乐都出自艺术或公益目的。
对冥想音乐有过深远影响的一位先驱者Dan Gibson可能乐迷们不会陌生，在众多环境主义者，声音美学家们的开创性事业中他是成绩突出的一位。在他早年去安大略湖野营后，便对环境音效产生浓厚兴趣 ，之后很长一段时期内他在自己创立的公司下推出许多反应环境主义的电影，并致力于反应自然的影视事业。在他40年电影艺术生涯接近尾声时，却开始对音乐产生了兴趣，并一举突破，他的Solitudes系列可以说一下子蜚声四海。Solitudes不再是寂静之声，它被真正融汇于一个更大范围的响应中。
但是real fusion才刚刚开始。在主流Newage Music，比如象Enya,Yanni,Secret Garden,甚至Kitaro,Enigma之外，还有一些早期实验性很强的音乐，它们基本可以说是Newage Music最早的雏形，或者说是这一运动的导火线。一个是以Clobal Pacific，ECM等爵士厂牌为代表的公司推出的室内爵士乐(chamber jazz)，另一个则是以Brain Eno为代表的Ambient音乐。
Brain Enot与LaMonte Young从两个起点出发，最终也汇集到了一起。Brain Enot为中心的试图用电子合成乐器的模拟音效制造一种氛围，以推动人的感官做出适当反应，如置于被创造的虚拟环境或是体会自然环境的包围，而与此同时，从现代新古典音乐分支出来的极微主义音乐（Minimalism ）则更早地由LaMonte Young带头，随后的Phillip Glass和Terry Riley加以推动，声音被简化了，被重构了，在一个短小主题不断被重复而又富有微秒变化的进程里，将可能的感官反应推向了极至。
另一方面，一些fusion jazz开始在许多爵士唱片公司被推出，非常有代表性的，是美国次中音萨克斯管演奏家斯坦·盖茨（Stan Getz），早年曾经受到Lester Young的影响，后来同样也突破了禁锢，树立了自己的独特风格，带有民谣元素的爵士乐，并与大批艺术家合作，许多公司都有他的作品发行，是真正具有实验精神的音乐家，他在Newage音乐的发展上，也对后来者产生了很大影响。另一博采众长的爵士乐人是Keith Jarrett， 在他的音乐中可以感受到古典，宗教，乡村民谣等的影响，专辑《In The Light》 是一部颇具实验性的新古典作品，和他的科隆音乐会一样出名，这在以后曾经影响了一大批走Neo-classic路线的音乐人，许多作品也被改编烂了。
但是多数艺术家并不满足于现有成绩，总渴望有新的突破，而不同领域的合作则是一个最佳途径。在更大范围内寻找合作，不仅仅使fusion在表面进行，也促进了更加深层的融合。Phil Thornton，早期深受Kraftwerk，The Who等乐队的影响，在1985年之后他连续发布了两张专辑：《Cloud Sculpting》，《Edge of Dreams》标志着他自我的突破和涉及newage音乐制作的开始，之后在New World Music公司发表了一系列与众多艺术家合作的专辑。有Newage领域里的Asha，Steven Cragg，与后者合作的专辑《Initiation》以及《Tibetan Horn》，采用了澳洲土著的迪吉里杜管，突破了他以往柔和舒缓冥想的风格。，与非洲打击乐演奏家Hossam Ramzy合作的两张埃及分格的专辑大概是我们最为熟悉的，《Eternal Egypt》《Immortal Egypt》，并赢得了New Age Voice杂志的世界最佳专辑的荣誉。real fusion正在潜移默化中进行。
Ambient不再是一种单纯的音乐类型，已经成为一种特殊的音乐元素穿行在各种风格的音乐中。也许我们如今很少再能看见过去那种经典的学院派的作品，但是我们在另一更广泛的音乐空间内找寻到了它。Newage Music更为大众所熟知的正是以Ambient的核心裹着meditation的外衣直达人心灵深处。将Ambient元素以及Ethnic风格更多地引入冥想的空间，Paul Horn也是创造Newage Music空前影响力的人物之一。他于1967年移居印度并深受印度教派禅定冥想的影响，从中获得灵感，以突破他之前的单纯爵士风格。形成庄严肃穆的音乐风格。可能有人认为他仍然是传统的，然而从另一个角度说，他从世界各地的古文明中获得灵感，如波罗的海大教堂，埃及金字塔，泰姬陵，这一创作方式对之后许多家喻户晓的音乐家来说，是一先锋派行为，从宗教圣地获得灵感的Tim Wheater吹着竹笛的Riley Lee，Nicholas Gunn 的大峡谷，Steve Roach在西班牙的洞穴捕捉风的声音，Yanni在雅典卫城，很大程度受到这位先驱者的影响。
正如Paul Horn身体力行的一样，音乐作为一种与人交流沟通的简介方式在Newage Music领域里很好地获得了发展，对于促进各文化的交流传播起到了举足轻重的作用。尽管我们说其中有不少误解和难以诠释的成份存在，但是，至少，Newage Music作为一种音乐理念，正以全新的方式横扫全球文化传播媒体，我们在反省其演化和泛滥的同时，也应该注意到这种效应，这也正是Newage Music 所应该被赋予的内涵和音乐理念。(摘自网络)
